Archive for Jack Lemmon

Closing In

Posted in FILM with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , on September 20, 2019 by dcairns

I hope to finish off all of Costa-Gavras’ work shortly, apart from I guess LA PETITE APOCALYPSE (1993) which seems to be totally unavailable, and ADULTS IN THE ROOM, the new one, which I don’t have any way of seeing right now. I should try and find the distributor actually, I might be able to write a more sympathetic review than Variety and The Hollywood Reporter. No guarantees are possible, of course.

MISSING holds up remarkably well — Fiona was bored by it as a teenager and cried this time, was terrified, moved in all the right ways. I had flashbacks, there were moments, like the white horse running down the street at night, which I suddenly recalled from 1984 or whenever I last saw it. And the sense of Jack Lemmon’s character being politically awakened, opening his eyes at last, and being shocked and hurt by what he sees.

HANNA K. is my least favourite so far. C-G followed MISSING with a look at the Israel-Palestine question through one woman’s complicated love life, and the lens doesn’t seem adequate to the problem. MISSING is more cinematically inventive and unusual than I remembered, but C-G’s own story doesn’t seem to excite him in the follow-up. And then we get three more rather uninspiring US movies.

It seems to me that Mr. Gavras’ best movies are adaptations: THE SLEEPING CAR MURDERS is Sebastien Japrisot, UN HOMME DE TROP is from a novel based fairly closely on fact (the role model for the Bruno Cremer didn’t like the movie), Z and L’AVEAU are based on factual books, I’ve still to catch up with STATE OF SIEGE but it’s factual, SECTION SPECIALE is distilled from a huge history, CLAIR DE FEMME is a novel, MISSING is from the last 65 pages of a fat true story, then we get four originals that aren’t as good as the rest, but in there is LA PETITE APOCALYPSE which sounds intriguing and is from a novel and is French. Since there’s (nearly) always a big topic, this one is about the fall of communism. But I’m not paying 40 Euros for an unsubtitled DVD from eBay.

AMEN. (the Vatican and the Nazis) is from a gigantic play and from history, LE COUPERET is from a Donald Westlake and is just brilliant (big topic: what the job market does to people), and I’ve still to watch EDEN IS WEST (on migration, an original) and LE CAPITAL (on global capitalism, from a novel).

The new one is from former Greek finance minister Yanis Varoufakis’s book. The title needs a THE in front of it. People underrate the importance of the definite article. But the lousy reviews don’t put me off at all, I am THERE for this. It’s got a dance number!

People talk about the issues in C-G’s work, and I get that, but they don’t talk about his genius with camera and editing, or about his use of humour, which to me is dazzling. Z is very, very funny, but the laughs are balanced on the edge of an abyss. LE COUPERET is hilarious about the decay of the moral sense. Costa-Gavras says his chief concern is human dignity which sounds very earnest, and it is, but his best stuff isn’t ploddingly worthy, it’s CUTTING.


Festive Cheer

Posted in FILM with tags , , , , , , , on December 18, 2017 by dcairns

New, big, special limited edition Blu-Ray of Billy Wilder’s THE APARTMENT from Arrow. Very proud and pleased to have contributed a video essay, The Flawed Couple, dealing with Wilder’s work with Jack Lemmon, which is included as part of the bulging bag of extras, along with a hardback booklet featuring pieces by Neil Sinyard, Kat Ellinger and Travis Crawford & Heather Hyche, commentaries from Bruce Block and Philip Kemp, interviews with Wilder, Hope Holiday, a video appreciation by Kemp, a making-of featurette, a Jack Lemmon profile, and the screenplay as a BD-ROM attachment.

MGM’s lawyers were kind of a nightmare to deal with on this one (that’s a legal term, I believe) which is why the Billy Wilder ABC that Stephen C. Horne and I put together could not be included, but maybe it’ll show up separately. The strange thing was, having to talk about Wilder’s other films with Lemmon without being able to show them, and sometimes without even being able to show stills, forced us to be creative. At one point we found ourselves trying to illustrate an anecdote about Cecil B. DeMille’s KING OF KINGS using only footage from THE APARTMENT. It worked out quite well, I think. You can judge for yourselves by buying a copy…


Maybe there’s an algorithm describing how working within constraints can enhance your creativity up to a point, until suddenly a balance is tipped and it doesn’t. (I once described writing for kids’ TV — supervised by anxious bosses — as like juggling in a strait-jacket.) This one got to just about Prime Restraint Level, so the results are grand.

I’ve done quite a bit on Wilder now — there are also text essays on THE LOST WEEKEND and FEDORA for Masters of Cinema. Collect ’em all!


Last Gasps

Posted in FILM with tags , , , , , , , , , , , , , , on December 7, 2017 by dcairns

Suddenly this blogathon is behaving a bit like a blogathon — I have a post at The Notebook on James Whale’s final film, and here is Shruti Narayanswamy’s piece on SUPERMEN OF MALEGAON which you may not have heard of but NEED TO HEAR OF. And thanks to my chance meeting with Shruti last week, YOU CAN! Click here.

Further to that, we have another guest post by Jacky Goldberg. It’s in French — but there’s an app for that — and it’s a beauteous love letter to a filmmaker dear to all our hearts, I hope ~


Peu de choses m’émeuvent davantage que les films de vieux cinéastes manifestant plus de vigueur que la plupart de leurs jeunes collègues. Parmi ces derniers, ceux que Blake Edwards a réalisé dans les années 80 occupent une place de choix dans mon panthéon. De 10 en 1979 (devenu Elle en français) à Switch (La revanche d’une blonde en français) en 1991 — je ne compte pas Le fils de la panthère rose en 1993, triste coda sans Peter Sellers —, Blake Edwards aura non seulement porté la comédie américaine à son acmé, mais également signé plusieurs chef d’oeuvres sur les relations hommes-femmes, par le biais de personnages en crise existentielle. Dans la douzaine de films réalisés à cette époque (quelle énergie!), quatre en particulier me fascinent, au point que j’y pense pratiquement tous les jours.

Il y a donc d’abord 10, premier succès public et critique depuis douze ans — après une décennie 70’s complexe pour Edwards, dominée par de jeunes barbus qu’il moquera joyeusement dans S.O.B —, qui met en scène un musicien en pleine crise de la quarantaine (Dudley Moore), marié à l’impériale Julie Andrews, la propre épouse du cinéaste. Pas besoin d’être devin pour comprendre qu’il s’agit là d’un film largement nourri d’éléments autobiographiques — et peut-être, comme j’ai toujours eu envie de croire sans en avoir la preuve, inspiré de la vie de Burt Bacharach. La plantureuse Bo Derek courant sur la plage au ralenti, les cheveux tressées et perlées frappant délicatement ses épaules bronzées, est devenu un cliché mille fois cité depuis… et un cauchemar pour les coiffeuses qui ont vu affluer des centaines de femmes leur demandant la même parure – qui prendra d’ailleurs le nom de « Bo Derek ». Ce n’est pas nécessairement mon film préféré de la période, mais c’est probablement le plus influent : il a définitivement montré comment filmer un club de vacances. Pour ne citer que deux descendants : le remake (sous-estimé) de The Heartbreak Kid par les frères Farrelly en porte la trace, ainsi que le très beau Forgetting Sarah Marshall de Nick Stoller. Il a aussi changé à jamais l’image du Boléro de Ravel, le mettant au niveau des hymnes sexy de Prince.

Je passe les merveilleux S.O.B, Victor/Victoria, Trail et Curse of the Pink Panther, ainsi que L’homme qui aimait les femmes (remake du film de Truffaut, avec Burt Reynolds dans le rôle de Charles Denner, très différent mais aussi bon que l’original), pour m’arrêter un instant sur ce qui est pour moi le chef d’oeuvre de Blake Edwards, tout en étant un de ses films les moins connus : Micki & Maude. Réalisé en 1984, il réunit pour la deuxième Blake Edwards et Dudley Moore, toujours en crise existentielle, et cette fois-ci aux prises avec deux épouses, toutes deux enceintes. Moore est sincèrement amoureux des deux femmes, et il lui est impossible d’en quitter une pour l’autre. A partir de ce canevas, Edwards tire toutes les ficelles comiques (et dramatiques) possibles, et signe un film fou sur le choix impossible, et sur le polyamour (avant que le concept ne devienne le fond de commerce des mauvais magazines de psychologie). Ce me qui désarme ici est le regard de Dudley Moore, sa fragilité, son absence totale de cynisme. Il ne calcule rien. Il veut sincèrement être un mensch, être heureux et rendre son entourage heureux. Assumer ses responsabilités. Mais l’élastique du réel se tend de plus en plus et finit par craquer dans un dernier acte à la maternité, lorsque les deux femmes accouchent en même temps. La grandeur ultime de Blake Edwards consiste à essayer de bricoler malgré tout une forme d’utopie pour cette famille impossible.

Deux ans plus tard, en 1986, après le plutôt raté A Fine Mess, Edwards reprend sa veine autobiographique avec That’s Life. Cette fois-ci, c’est Jack Lemmon qui le joue lui (à soixante ans), et Julie Andrews, imperturbable, demeure l’épouse. Imperturbable est vraiment le mot : elle est le coeur film, celle sans qui tout s’effondre. Le ton est étrange, alternant burlesque pur (comme plus personne ne sait en faire) et dramedy quasi télévisuelle. Mais c’est ce qui fait sa force. J’ai toujours aimé les films insituables, qui refusent de choisir, qui ne paient pas de mine et déploient leur force tranquillement, de façon souterraine — termite, comme dirait Manny Farber. Alors que la beauté de Micki & Maude tenait dans la fragilité de son personnage masculin, celle de That’s Life réside dans la solidité de son personnage féminin, entourée de pleutres. Désormais, le mensch, c’est elle, elle qui tient sur ses épaules le foyer, la communauté. Quant au titre, il résume à la perfection je trouve la philosophie stoïque d’Edwards.

Le film suivant, Blind Date, mériterait un paragraphe entier, ne serait-ce que pour dire à quel point Bruce Willis fut, à cette époque, un grand acteur comique (ainsi que Kim Basinger), mais je vais directement à Skin Deep, sautant au passage le très mineur Sunset (un hommage un peu vieillot au cinéma classique), et le génial Switch (film complètement queer, dans lequel un prédateur sexuel se voit réincarné dans le corps d’une femme, avec la mission d’être sincèrement aimé s’il ne veut pas aller en enfer). Skin Deep, ou L’amour est une grande aventure en français, contient tout simplement une de mes scènes de cinéma préféré, une scène à laquelle je pense constamment. C’est une autre de ces comédies existentielles sur les tourments du sexe et de l’amour (un truc typiquement français donc, pas étonnant qu’Edwards ait voulu remaké Truffaut). Le personnage principal, joué par John Ritter, est un écrivain à succès, et un sex-addict (il est évidemment le modèle d’Hank Moody dans Californication). Il va d’échec en échec, sa vie n’a plus aucun sens, et il décide de s’accorder un peu de temps pour aller méditer sur la plage. Il ferme les yeux. Réfléchit… Soudain, une vague plus grosse que les autres le renverse du rocher sur lequel il s’était assis. ”Eureka” se dit-il alors ! Il court chez son ami, ouvre grand la porte qui donne sur la plage et, trempé jusqu’aux os, déclame cette phrase sublime : « I’ve seen God, and you know what : he’s a gag writer ! ». Stupeur de son ami. Silence…. La seconde suivante, une seconde vague, immense, presque un tsunami, s’engouffre par la porte et emporte tout sur son passage, écrivain, ami, mobilier. Cut. Pourquoi cette scène me bouleverse tant ? Parce qu’elle illustre à la perfection l’art du contretemps edwardsien (caractère imprévu et dévastateur de la seconde vague), en même temps que son fatalisme comique (« Dieu écrit des blagues »). La vie a bien un sens, comprend John Ritter après la première vague, et c’est le suivant, se voit-il confirmé par la deuxième vague : tout est absurde et tragique, et tout ce qu’on peut y faire est d’en rire — c’est la seule chose qui puisse nous connecter à l’au-delà et nous sauver.

Blake Edwards est vivant écrivait en 1962 Pierre Rissient dans sa revue Présence du cinéma (une revue concurrente des Cahiers et de Positif, où écrivait les membres de cette petite secte américano-cinéphile, encore très influente, qui se faisait appeler Mac-Mahoniens, du nom de leur cinéma fétiche sur les Champs Elysées). Pour moi, cette assertion reste vraie, et si depuis le paradis, son facétieux tenancier me demandait de choisir un réalisateur pour réaliser mon biopic, je prendrais Blake Edwards sans hésiter.

Jacky Goldberg