Archive for Blake Edwards

The Crumps

Posted in FILM with tags , , , , , , , , , , , on June 20, 2018 by dcairns

Further Grant Williams investigation — the Incredible Shrinking Man stars as a psychopath killing strangers on the streets of New York en route to his therapy sessions in THE COUCH. He isn’t shrinking in this one, though, as he might have had trouble getting on the couch, or stabbing people above knee level.

The wonderful Shirley Knight, a memorable New York maniac herself in DUTCHMAN, is his romantic interest and Onslow Stevens plays the shrink, her dad. Stevens had an odd career, it seems — I find him really impressive in his brief role in ONCE IN A LIFETIME (1932) and then he’s in the less fortunate HOUSE OF DRACULA (1945) where he manages to cure the wolfman. Will he do the same for the Incredible Shrinking And Murdering Man? A trickier case, it seems.

We’ll be seeing him again in THEM!

Robert Bloch’s writing credit immediately made Fiona suspicious. The mark of quality — medium/low quality. But he shares that credit with director Owen Crump and a young ex-actor named Blake Edwards.

Now, Crump is an unusual name. And it turns out to have been Blake Edwards’s name — he was William Blake Crump. Which sounds like a Victorian poet and engraver falling unconscious to the floor. Edwards was also sort of movie royalty — his stepfather’s father, J. Gordon Edwards was a movie director, his stepfather was Jack McEdward, a production manager. What I can’t find is any assertion that William Blake Crump and Owen Crump were part of the same family. But they must have been, though probably not blood relations. Step-brothers, I’d say. Owen Crump went on to produce several films for Edwards — WHAT DID YOU DO IN THE WAR, DADDY?, GUNN, DARLING LILI, and they co-produced WATERHOLE #3.

Edwards’ most COUCH-like film is the underrated EXPERIMENT IN TERROR.

Anyhow, THE COUCH gets seriously dull in places, but maestro Crump does attempt some striking visuals, and the acting is all fine. Williams figures out ways to make his good looks seem extremely creepy. I immediately recommended the film to an actor friend preparing for the role of a psychopath…

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Mini-Thems

Posted in FILM with tags , , , , , , on February 28, 2018 by dcairns

I had fond memories of Laurel & Hardy’s BRATS, but I also remembered Leslie Halliwell saying it was disappointing, arguing that because L&H are so much like big kids, seeing them as little kids removes the amusement of inappropriateness. But Leslie Halliwell was dependably wrong on every point of opinion, criticism and analysis that ever came his way, just as he was dependably right on facts. BRATS, after all, gives us the familiar life-sized Stan and Ollie, in addition to the kiddie versions, so you’re not being deprived of anything. In fact, the irony of big men with childish minds is pointed up even more, since we can see how the boys have not progressed from their infantile selves.

Actually, we don’t quite get the familiar Ollie, because he’s had to shave his moustache to play his diminutive self, Ollie Jr. So adult Ollie is wearing a fake ‘tache that looks like it was drawn on with magic marker. Its sharp definition makes it look more than usually Hitlerian, or like the improbably square blot on the window in Father Ted.

Apart from a surprising animated mouse, there are only a couple of special effects shots, but these combine with the shot-reverse-shot schema in which both sets of the boys cut together using the Famous Kuleshov Effect to convince us they’re in the same space, looking at each other, when in fact the child versions are performing on impressively scaled-up sets. The effect is to make the kiddie duo uncannily small, TOO small. Because they have adult proportions, they don’t seem quite like real children, more like the victims of Dr Cyclops.

Because of the immature (or MORE immature) variant boys on display, this one’s even more violent than usual, with little Stan consistently getting the best of it. Most wince-inducing moment is Ollie getting the metal rod of a door-knob in the eye. Even more distressing to see this happen to a “child”. Ollie checks, gingerly, to see if his eye is still there.

Little Stan also delivers a wholly deliberate eye-poke, and right at the start of the film Big Ollie accidentally pokes his OWN eye. Is this an Oedipal theme or something?

Ollie’s self-inflicted injury reminds me of a Blake Edwards quote. Attempting to explain his sometimes grisly sense of humour (who else would attempt to raise laughs from a man stabbing himself in the side with a letter-opener?), Edwards described the funniest thing he ever saw: he was sitting in a restaurant when Curt Jurgens walked in, saw him, and waved — “Hiya, Blake!” and with the same movement, stuck his thumb squarely in his eye.

It’s funny because it’s Curt Jurgens.

Last Gasps

Posted in FILM with tags , , , , , , , , , , , , , , on December 7, 2017 by dcairns

Suddenly this blogathon is behaving a bit like a blogathon — I have a post at The Notebook on James Whale’s final film, and here is Shruti Narayanswamy’s piece on SUPERMEN OF MALEGAON which you may not have heard of but NEED TO HEAR OF. And thanks to my chance meeting with Shruti last week, YOU CAN! Click here.

Further to that, we have another guest post by Jacky Goldberg. It’s in French — but there’s an app for that — and it’s a beauteous love letter to a filmmaker dear to all our hearts, I hope ~

LATE BLAKE EDWARDS

Peu de choses m’émeuvent davantage que les films de vieux cinéastes manifestant plus de vigueur que la plupart de leurs jeunes collègues. Parmi ces derniers, ceux que Blake Edwards a réalisé dans les années 80 occupent une place de choix dans mon panthéon. De 10 en 1979 (devenu Elle en français) à Switch (La revanche d’une blonde en français) en 1991 — je ne compte pas Le fils de la panthère rose en 1993, triste coda sans Peter Sellers —, Blake Edwards aura non seulement porté la comédie américaine à son acmé, mais également signé plusieurs chef d’oeuvres sur les relations hommes-femmes, par le biais de personnages en crise existentielle. Dans la douzaine de films réalisés à cette époque (quelle énergie!), quatre en particulier me fascinent, au point que j’y pense pratiquement tous les jours.

Il y a donc d’abord 10, premier succès public et critique depuis douze ans — après une décennie 70’s complexe pour Edwards, dominée par de jeunes barbus qu’il moquera joyeusement dans S.O.B —, qui met en scène un musicien en pleine crise de la quarantaine (Dudley Moore), marié à l’impériale Julie Andrews, la propre épouse du cinéaste. Pas besoin d’être devin pour comprendre qu’il s’agit là d’un film largement nourri d’éléments autobiographiques — et peut-être, comme j’ai toujours eu envie de croire sans en avoir la preuve, inspiré de la vie de Burt Bacharach. La plantureuse Bo Derek courant sur la plage au ralenti, les cheveux tressées et perlées frappant délicatement ses épaules bronzées, est devenu un cliché mille fois cité depuis… et un cauchemar pour les coiffeuses qui ont vu affluer des centaines de femmes leur demandant la même parure – qui prendra d’ailleurs le nom de « Bo Derek ». Ce n’est pas nécessairement mon film préféré de la période, mais c’est probablement le plus influent : il a définitivement montré comment filmer un club de vacances. Pour ne citer que deux descendants : le remake (sous-estimé) de The Heartbreak Kid par les frères Farrelly en porte la trace, ainsi que le très beau Forgetting Sarah Marshall de Nick Stoller. Il a aussi changé à jamais l’image du Boléro de Ravel, le mettant au niveau des hymnes sexy de Prince.

Je passe les merveilleux S.O.B, Victor/Victoria, Trail et Curse of the Pink Panther, ainsi que L’homme qui aimait les femmes (remake du film de Truffaut, avec Burt Reynolds dans le rôle de Charles Denner, très différent mais aussi bon que l’original), pour m’arrêter un instant sur ce qui est pour moi le chef d’oeuvre de Blake Edwards, tout en étant un de ses films les moins connus : Micki & Maude. Réalisé en 1984, il réunit pour la deuxième Blake Edwards et Dudley Moore, toujours en crise existentielle, et cette fois-ci aux prises avec deux épouses, toutes deux enceintes. Moore est sincèrement amoureux des deux femmes, et il lui est impossible d’en quitter une pour l’autre. A partir de ce canevas, Edwards tire toutes les ficelles comiques (et dramatiques) possibles, et signe un film fou sur le choix impossible, et sur le polyamour (avant que le concept ne devienne le fond de commerce des mauvais magazines de psychologie). Ce me qui désarme ici est le regard de Dudley Moore, sa fragilité, son absence totale de cynisme. Il ne calcule rien. Il veut sincèrement être un mensch, être heureux et rendre son entourage heureux. Assumer ses responsabilités. Mais l’élastique du réel se tend de plus en plus et finit par craquer dans un dernier acte à la maternité, lorsque les deux femmes accouchent en même temps. La grandeur ultime de Blake Edwards consiste à essayer de bricoler malgré tout une forme d’utopie pour cette famille impossible.

Deux ans plus tard, en 1986, après le plutôt raté A Fine Mess, Edwards reprend sa veine autobiographique avec That’s Life. Cette fois-ci, c’est Jack Lemmon qui le joue lui (à soixante ans), et Julie Andrews, imperturbable, demeure l’épouse. Imperturbable est vraiment le mot : elle est le coeur film, celle sans qui tout s’effondre. Le ton est étrange, alternant burlesque pur (comme plus personne ne sait en faire) et dramedy quasi télévisuelle. Mais c’est ce qui fait sa force. J’ai toujours aimé les films insituables, qui refusent de choisir, qui ne paient pas de mine et déploient leur force tranquillement, de façon souterraine — termite, comme dirait Manny Farber. Alors que la beauté de Micki & Maude tenait dans la fragilité de son personnage masculin, celle de That’s Life réside dans la solidité de son personnage féminin, entourée de pleutres. Désormais, le mensch, c’est elle, elle qui tient sur ses épaules le foyer, la communauté. Quant au titre, il résume à la perfection je trouve la philosophie stoïque d’Edwards.

Le film suivant, Blind Date, mériterait un paragraphe entier, ne serait-ce que pour dire à quel point Bruce Willis fut, à cette époque, un grand acteur comique (ainsi que Kim Basinger), mais je vais directement à Skin Deep, sautant au passage le très mineur Sunset (un hommage un peu vieillot au cinéma classique), et le génial Switch (film complètement queer, dans lequel un prédateur sexuel se voit réincarné dans le corps d’une femme, avec la mission d’être sincèrement aimé s’il ne veut pas aller en enfer). Skin Deep, ou L’amour est une grande aventure en français, contient tout simplement une de mes scènes de cinéma préféré, une scène à laquelle je pense constamment. C’est une autre de ces comédies existentielles sur les tourments du sexe et de l’amour (un truc typiquement français donc, pas étonnant qu’Edwards ait voulu remaké Truffaut). Le personnage principal, joué par John Ritter, est un écrivain à succès, et un sex-addict (il est évidemment le modèle d’Hank Moody dans Californication). Il va d’échec en échec, sa vie n’a plus aucun sens, et il décide de s’accorder un peu de temps pour aller méditer sur la plage. Il ferme les yeux. Réfléchit… Soudain, une vague plus grosse que les autres le renverse du rocher sur lequel il s’était assis. ”Eureka” se dit-il alors ! Il court chez son ami, ouvre grand la porte qui donne sur la plage et, trempé jusqu’aux os, déclame cette phrase sublime : « I’ve seen God, and you know what : he’s a gag writer ! ». Stupeur de son ami. Silence…. La seconde suivante, une seconde vague, immense, presque un tsunami, s’engouffre par la porte et emporte tout sur son passage, écrivain, ami, mobilier. Cut. Pourquoi cette scène me bouleverse tant ? Parce qu’elle illustre à la perfection l’art du contretemps edwardsien (caractère imprévu et dévastateur de la seconde vague), en même temps que son fatalisme comique (« Dieu écrit des blagues »). La vie a bien un sens, comprend John Ritter après la première vague, et c’est le suivant, se voit-il confirmé par la deuxième vague : tout est absurde et tragique, et tout ce qu’on peut y faire est d’en rire — c’est la seule chose qui puisse nous connecter à l’au-delà et nous sauver.

Blake Edwards est vivant écrivait en 1962 Pierre Rissient dans sa revue Présence du cinéma (une revue concurrente des Cahiers et de Positif, où écrivait les membres de cette petite secte américano-cinéphile, encore très influente, qui se faisait appeler Mac-Mahoniens, du nom de leur cinéma fétiche sur les Champs Elysées). Pour moi, cette assertion reste vraie, et si depuis le paradis, son facétieux tenancier me demandait de choisir un réalisateur pour réaliser mon biopic, je prendrais Blake Edwards sans hésiter.

Jacky Goldberg